Las cosas a lo Fugazi

Fragmento de Postales negras, memorias autobiográficas y sobre todo musicales del compositor y cantante norteamericano Dean Wareham, fundador de bandas esenciales del pop indie norteamericano como Galaxie 500 o Luna. Fragmento publicado en El Cultural.

Sobre las escenas

Las cosas cambian rápidamente en el negocio de la música. Cuando eres joven y formas un grupo no lo sabes. Te piensas que estás en primavera, y en realidad está a punto de comenzar tu invierno. Las escenas cambian con especial rapidez en Inglaterra. Tienen una prensa musical que puede identificar y apoyar nuevas modas mucho antes que la de Estados Unidos. Para que tu foto salga en la portada del NME, basta con grabar una maqueta que solo hayan escuchado unos cuantos ejecutivos discográficos. La prensa te eleva y te hunde.

Una semana, The Clash son el grupo más importante del mundo, el único grupo que cuenta; pero pocos meses más tarde son unos vendidos al sistema, unos irrelevantes. Una semana, The Strokes e Interpol son los mejores grupos del mundo, y poco después se desprecia cualquier cosa que venga de Nueva York. La escena independiente de Reino Unido de 1991 estaba dominada por el movimiento shoegazer. Aquel año habían sido portada del Melody Maker My Bloody Valentine, Chapterhouse, Swervedriver, Curve, Lush, Ride y Slowdive. My Bloody Valentine eran unos visionarios. El resto, más bien no. Un año más tarde la moda era el grunge, y todas las miradas estaban puestas en Seattle. El Melody Maker se apresuró en cambiar de onda y publicó un artículo titulado «¿Qué le ha pasado al shoegazing? ». El grunge es lo que le había pasado, nada más.

Multinacionales e indies

Es totalmente cierto que una multinacional puede exprimirte. Se invierte mucho dinero en hacer y promocionar tu disco, y en ocasiones eso significa endeudarte hasta las cejas con tu casa de discos. Puede que consigas un royalty del catorce por ciento, pero primero tienen que cubrirse todos los gastos, por lo que es posible que nunca llegues a ver esos royalties. Pero al menos los sellos grandes te envían cuentas perfectamente detalladas, en las que se especifica con exactitud por qué te cobran esto o te descuentan aquello. Tienen un sistema de gestión. ¿Es más seguro cerrar un trato estrechándole la mano al dueño de un sello indie, para el que firmar un contrato no es más que una formalidad aburrida?

Puede ofrecerte un reparto de beneficios al cincuenta por ciento (una vez cubiertos los gastos), que sin duda suena mejor que un royalty del catorce por ciento. Vale, no podrá ofrecerte un adelanto de 250 000 dólares; como mucho, uno de entre 5000 y 20 000. Pero los costes serán menores, por lo que empezarás a cobrar tus royalties mucho antes. A no ser que el sello indie quiebre y se quede con los derechos de tu grabación. O que el jefe del sello se compre un BMW nuevo con los derechos fonomecánicos que no te ha pagado, mientras hace oídos sordos a tus súplicas para que te mande un informe de cuentas. Tú decides qué es menos malo en la industria de la música. Hay una diferencia entre que te prometan un royalty generoso y que realmente lo recibas. Mi opinión es que hay que aceptar el dinero cuando te lo ofrezcan, a ser posible por adelantado.

Telonear

Hacer de telonero es una labor muy ingrata. Es más divertido tocar para cien fans tuyos que para dos mil fans de otro grupo. Pero parece ser un mal necesario: tu casa de discos no quiere que toques solamente para tus fans. ¿Qué sentido tiene eso? Tus fans ya se han comprado tu CD. Necesitas que se lo compre otra gente, los fans de otros grupos.

Tocar el mito de terciopelo

Conocimos a Sterling Morrison durante la gira europea de la Velvet Underground de 1993. Lou Reed nos había elegido personalmente para ser los teloneros. (…) Recibir la llamada para telonear a la Velvet Underground fue muy extraño. Llegué a pensar que lo había soñado. Pero varias semanas más tarde estaba en un camerino del Edinburgh Playhouse escuchando a Lou Reed, John Cale, Moe Tucker y Sterling Morrison tocar «Venus in Furs». La gira fue agotadora. Cenamos bocadillos de queso todas las noches y el grupo nos trató bien, pero sus técnicos ingleses no. No nos importó: me sabía afortunado por poder ver toda la gira de la Velvet Underground desde un lateral del escenario.

Las cosas a lo fugazi

Fugazi era un grupo increíble en directo, y me encantaba su álbum 13 Songs. Hacían las cosas a su modo: procuraban dar conciertos para todas las edades, la entrada de sus conciertos nunca costaba más de cinco dólares y publicaban sus discos en su propio sello, Dischord. Hay gente que tomaba a Fugazi como ejemplo a seguir y pensaba que su forma de hacer las cosas era la única: todos los grupos tendrían que operar a espaldas de la industria musical, dormir en el suelo de las casas de sus amigos y vivir de okupas en sitios mugrientos. En mi opinión, la gente habla demasiado. Ese modus operandi funcionaba con Fugazi y con Ani DiFranco, que tenían una legión de seguidores muy entusiastas, de un fervor casi religioso. Pero es un modelo de negocio que no sirve para todo el mundo.

El quinto álbum

Nuestro quinto disco en estudio es posiblemente el peor de los siete publicados por Luna. Si uno se fija en los grupos de rock and roll, todos suelen hacer un quinto álbum muy malo, en mi opinión. Quizás porque, llegados a ese punto, sus componentes se odian; o quizás andan faltos de nuevas ideas o intentan probar cosas distintas. Sea cual sea el motivo, el quinto álbum es complicado. Por ejemplo, el quinto álbum de los Ramones fue End of the Century. Lo produjo Phil Spector, que supuestamente los apuntó con una pistola y arruinó el sonido del grupo. El quinto álbum de Talking Heads fue Speaking in Tongues.

Tenía cosas muy buenas, pero no era More Songs about Buildings and Food. The Beatles son la excepción a esta regla del quinto álbum malo; aunque algunos dirán que en realidad eran muy malos hasta que hicieron el quinto álbum. Pero nosotros no éramos The Beatles. En absoluto. ¡Qué diablos! Muchos grupos tienen ya bastante con aguantar más de dos álbumes sin disolverse. No podíamos quejarnos. No todos tus discos van a ser buenos, seas quien seas. Si tienes talento y suerte, es posible que publiques varios discos estupendos seguidos, como Bob Dylan, The Rolling Stones o Stereolab. Pero esa racha no puede durar eternamente.

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SGAE tres problemas y tres soluciones

Las personas que se quieran adherir a este comunicado por favor que escriban a union.musicos@gmail.com con su nombre o nombre artístico, además del número de socia/o de SGAE para las personas que estén asociadas. Si os haceis eco en redes sociales de esta campaña por favor utilizad #poruncambioensgae ¡¡¡gracias!!!

Tres propuestas para la mejora del funcionamiento de SGAE:

1) El conflicto entre el artista Pablo Und Destruktion y Atresmedia/SGAE ha puesto de manifiesto un grave conflicto entre la voluntad de las autoras/es y la gestión de SGAE: al firmar el contrato de gestión se obliga a delegar la gestión de la TOTALIDAD de su repertorio a la entidad.

Si bien SGAE permite dejar fuera del acuerdo ciertos territorios y categorías de derechos en determinadas condiciones, el/la autor/a no puede optar por dejar fuera de SGAE la gestión de ciertas obras, asunto que choca frontalmente con el Art. 153 de la LPI: “La gestión de los derechos será encomendada por sus titulares a la entidad de gestión mediante contrato cuya duración no podrá ser superior a tres años renovables por períodos de un año, ni podrá imponer como obligatoria la gestión de todas las modalidades de explotación ni la de la totalidad de la obra o producción futura. Ello sin perjuicio de los derechos contemplados en la presente ley cuya gestión deba ejercerse exclusivamente a través de las entidades de gestión.”

Muchas personas, por diversos motivos, no declaran todas sus obras en SGAE, por lo que en esta situación, de manera normalmente inconsciente, se incurre en un incumplimiento de contrato.

Proponemos una solución sencilla, realista y próxima a este problema: que la gestión de las obras por parte de SGAE la decida la persona que la crea, como ya sucede en otras entidades como VEGAP, CEDRO y DAMA. Si es posible la gestión por obra en artes gráficas, literatura o audiovisuales, es posible también en la música.

2) Otra carencia histórica en SGAE es que no es posible elegir el tipo de licencias bajo las que quieren difundir su obra. Entidades de gestión como BUMA/STEMRA (Holanda), KODA (Dinamarca), STIM (Suecia) y SACEM (Francia) ya han impulsado programas piloto para que las y los creadores puedan usar licencias Creative Commons.

Proponemos un programa piloto similar en el que SGAE permita el la gestión de obras bajo licencias Creative Commons.

3) El conflicto de Pablo Und Destruktion con Atresmedia/SGAE también ha manifestado que no están claros los acuerdos de SGAE con las televisiones.

Por ejemplo, cuando una cadena utiliza una canción para realizar una promoción de sus contenidos, SGAE unilateralmente decide que esa pieza audiovisual no se trata de un anuncio publicitario, sino de una simple autopromoción en la que no se requiere la autorización del autor/a para obtener el derecho de sincronización. Además se vulneran los derechos morales de las y los creadores, puesto que no se respeta la integridad de la obra en estos anuncios.

Proponemos que se hagan públicos todos los acuerdos que existan de este tipo, para que puedan ser debatidos y, en su caso, modificados. Pensamos que la persona que compone siempre debe poder decidir si su canción va usarse para publicitar algo en un entorno fuertemente mercantilizado y comercial como es una televisión. Los derechos morales deben prevalecer por encima de cualquier acuerdo entre SGAE y las televisiones y entidades de radiodifusión.

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La conquista cultural pasa por la lucha colectiva y política. Matemos al individualismo feroz que ha dominado nuestras vidas.

Este texto para mí histórico de Nacho Vegas no está en su blog y sólo estaba disponible en Facebook. Como no me canso de releerlo lo pongo aquí para compartirlo de nuevo. Espero que lo disfruten tanto como yo.

Por cada uno de los músicos que gozamos de cierta visibilidad y proyección pública que nos permite vivir de nuestra música, hay miles que viven sumidos en el precariado o desarrollando su trabajo en los estrechos márgenes que les permiten sus otros empleos necesarios para subsistir, músicos y músicas carentes de los derechos laborales más básicos, sin un estatuto que contemple problemas tan frecuentes como la intermitencia laboral o los abusos por parte de diferentes agentes de la así llamada industria musical.

En Xixón la primera toma de conciencia llegó de la forma más dramática posible en 2008, cuando el grupo de folk Felpeyu, acostumbrado a girar en su furgoneta por toda Europa, sufrió un accidente de tráfico que acabó con la vida de dos músicos muy queridos en Asturies, Igor medio y Carlos Redondo. Cada año se celebran una serie de conciertos en recuerdo de Carlos e Igor, pero también para denunciar que aquel fue un accidente laboral en toda regla que no contabilizó como tal porque los músicos carecían de cobertura laboral alguna.

Por este tipo de cosas es por las que se hace necesaria esta Unión Estatal de Sindicatos de Músicos, Intérpretes y Compositoras, y se hace necesario que participemos todas y todos en esta Asamblea, asistiendo o difundiendo, aportando ideas y experiencias para un activismo que no es solo cultural, antes bien, es político, porque nuestros problemas requieren una solución política y colectiva.

Por eso, desde mi posición, me gustaría hacer un especial llamamiento a aquellos músicos y músicas que pueden vivir de su trabajo dignamente y gozan de proyección pública, no solo porque pueden aportar mucho ayudando a visibilizar esta iniciativa sindical, sino para que tomen conciencia de que no basta con poder pagar tu cuota de autónomos y cobrar tus giras y tus derechos de autor, porque hay una lucha que es de todos y todas y que requiere de un esfuerzo colectivo, una lucha que devuelva a la música -a la cultura- la centralidad que queremos que tenga en nuestras vidas.

La conquista cultural pasa por la lucha colectiva y política. Matemos al individualismo feroz que ha dominado nuestras vidas y nos ha desmovilizado y demostremos que juntas sí podemos. La unión sindical ha echado a andar y entre todas y todos tenemos que hacer que ya nunca se pare.

Con canciones, amor y revolución.

Texto de Nacho Vegas para laUnión Estatal de Sindicatos de Músicos, Intérpretes y Compositoras.

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Cuando CNT y UGT expropiaron la SGAE

Recomendamos la lectura de Teatre, guerra i revolució. Barcelona, 1936-1939 de Francesc Foguet i Boreu, libro imprescindible del que hemos traducido un fragmento para esta entrada del blog, al hilo de la investigación para el libro sobre SGAE que estoy preparando junto a Ainara LeGardon.

El SUEP fue el Sindicato Único de Espectáculos de la CNT. Recomendamos también la lectura de Cine y Anarquismo 1936: colectivización de la industria cinematográfica:

El cierre de teatros hacía que no se cobrasen los derechos de autor correspondientes y, por tanto, que su situación fuera equiparable a la de los actores. Con el obtetivo de aliviarla y de resolver las dificultades más urgentes, una de las primeras acciones de los autores pertenecientes al SUEP-CNT fue la incautación de la Sociedad General de Autoras de España (SGAE) -cómo habían hecho también sus homólogos de la UGT de Madrid. Así, además de pagar los trabajadores de la sociedad, mientras no se normalizara la situación, la SGAE tenía previsto de entregar a sus afiliados una cantidad mínima que, dada las posibilidad de la caja social, los compensaría por la falta de cobro de derechos. La incautación de la SGAE suponía el control de su archivo (el cual, según declaró el CET [Comité Económico del Teatro], estaba valorado millones de pesetas) y de sus locales.

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El periodismo es el arte de escribir detrás de los anuncios. La música también.

El célebre Mark Twain sintetizó muy bien uno de los principales problema del periodismo desde sus orígenes en la frase “el periodismo es el arte de escribir detrás de los anuncios”.

Pero lo que no pudo preveer Twain es los niveles de mercantilización y esponsorización a los que se ha llegado en cualquier actividad relacionada con la cultura. Teatros, salas de conciertos o festivales de música son rebautizados con nombres de marcas o productos comerciales. Y si el grupo británico Sigue Sigue Sputnik intentó epatarnos con publicidad en su álbum de 1986 Flaunt it, ahora ese bombardeo es el día a día del cualquier usuario de Youtube o de la tarifa gratuita de Spotify. Es imposible disfrutar de cultura sin anuncios porque es imposible que la gente se plantee pagar otra cosa que su ADSL o smartphone. Y a nadie parece importarle demasiado.

En el reciente ensayo #Gorrones – Cómo nuestro insaciable apetito de contenidos gratis en internet empobrece la creatividad  el autor Chris Ruen refleja como las antes polémicas relaciones entre bandas de música y multinacionales ya han dejado de tener sentido, ni siquiera en las escenas más alternativas o underground. Las y los fans entienden que, al consumirse música a través de internet y no de soportes físicos, los artistas tienen que cuadrar las cuentas de algún modo. El año en el que el punk explotó se data en 1991, entre otras razones porque The Clash autorizaron el uso de Should i stay or should i go para un anuncio de vaqueros. Hasta llegar al 2015 con unos putefractos Sex Pistols prestándose a hacer publicidad de una tarjeta de crédito.

No sólo los punks han arrastrado su nombre por algo de dinero. Una de las campañas más incomprensibles de la historia fue la protagonizada por Bob Dylan, que en el 2004 decidió tener unos ingresos extra anunciando lencería de la marca Victoria’s Secret. Por estos lares, en cambio, es habitual ver a distintos autores participando en anuncios de Mahou o Banco de Sabadell, por recordar dos ejemplos bien conocidos.

Pero afortunadamente no todos los artistas entras en el juego. Pablo Und Destruktion se ha enfrentado a gigantes como Atresmedia y la SGAE ya que se niega a que sus canciones se usen para publicitar series. En sus propias palabras

Yo entendí que se iba a llegar a una solución rápida, y hasta lo publiqué en Facebook; entiendo que los malentendidos están a la orden del día y no iba a ser yo quien no tuviera voluntad de concordia. Para mí la solución era un pago razonable (y ese no ha sido el problema) y una explicación, una reparación del daño al honor que era el punto fundamental. Porque ni por todo el oro del mundo yo puedo darles vía libre para que hagan lo que quieran con mis canciones en productos audiovisuales que están cargados de ideología.

Hasta que llegamos al caso de Seward, que ha tenido su enésimo conflicto por no querer tocar detrás de los anuncios, parafraseando a Mark Twain. Hoy publicaban en redes sociales:

¿Cómo que Música a la Botiga con Torres? ¿Es una broma? ¿Acaso os vais a molestar en preguntarnos si queremos tocar para una marca? Nosotros fuimos a la tienda y, cara a cara, voluntariamente, pedimos una fecha para celebrar la salida de nuestro disco en Europa con nuestro público en vuestra tienda y no para tocar GRATIS en un ciclo organizado por una marca. ¡Pero qué es esto! Esperamos que rectifiquéis, pidáis perdón públicamente o, en el más improbable de los casos, nos ofrezcáis un caché a la altura de una situación tan insultante como esta, como justamente se hace en publicidad, cine y demás ámbitos. Es hora de que las marcas dejen de gobernar la cultura de Barcelona. Estamos hartos de que nos traten como aficionados. Saludos cordiales.

Queda la duda de si más artistas y grupos se van a sumar a la lucha contra la mercantilización de todos los aspectos de nuestras vidas o bien si van a mirar para otro lado. Pronto lo sabremos.

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Sindicalismo y derechos de autor

El 2 de enero de este año, el artista Pablo Und Destruktion hacía pública una denuncia contra La Sexta por el uso de una canción suya  sin su consentimiento y con fines publicitarios. Los medios no tardaron en hacerse eco del conflicto sorprendidos, quizá, por el hecho de que un músico se defendiese y lo hiciese a través de su sindicato.

En el marco del mundo del arte, entendemos que no estamos ante un caso aislado. Se trata de un problema común y como tal ha de ser tratado: entre todos y todas. En un ámbito caracterizado por la atomización y la desmovilización, factor que aprovechan cadenas y empresas como Atresmedia para utilizar trabajo ajeno sin siquiera consentimiento y retribución, planteamos la vía del anarcosindicalismo, y concebimos esta charla como un necesario punto de partida.

En ella abordaremos la cuestión de las entidades de gestión de derechos de autor. ¿Existe alternativa a la SGAE? ¿Pueden los músicos organizarse al margen de estructuras verticales y ligadas a corporaciones que presenten intereses contrapuestos a los de los autores y autoras? ¿Puede ser la organización sindical una herramienta de defensa para el sector?¿Qué pasa con el copyleft?

Para hablar de estas y otras cuestiones, contaremos con la presencia del propio Pablo Und Destruktion, junto con el abogado Leo Bobadilla, experto en derechos de autor. Nos acompañarán también David García Aristegui, autor de  ‘Por qué Marx no habló de Copyright’, y Esteban Hernández, periodista de El Confidencial. Autor de “Nosotros o el caos” (Ed. Deusto) y “El fin de la clase media” (Ed. Clave Intelectual).. Finalmente, Pablo ofrecerá un concierto a los asistentes.

Un punto de partida. Una alternativa.

Se trata de debatir sobre esta problemática con el fin de encontrar una solución común;  una alternativa que pueda proporcionar garantías y respuestas efectivas ante los abusos sobre nuestro trabajo y labor artística.

Os invitamos, pues, a analizar una misma realidad desde diferentes perspectivas y horizontes. Desde abajo y entre todas, el próximo 27 de mayo, a las 19 horas, en el Ateneo de Villaverde.

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A las cosas por su nombre

Hoy sale publicada en La Marea esta reseña de #Gorrones.

Reconózcalo, usted se descarga contenidos gratis en internet siempre que puede ¿verdad? Chris Ruen también lo sabe, por lo que acaba de publicar #Gorrones – Cómo nuestro insaciable apetito de contenidos gratis en internet empobrece la creatividad (Ediciones Quinto 20, 2016). El autor reivindica una nueva narración sobre el contexto social y tecnológico usando conceptos lo más rigurosos posibles. Ruen otorga una gran importancia al lenguaje a la hora de hablar de derechos de autor, y denuncia que tanto “piratería” como “intercambio de archivos” no son términos neutros y que, por tanto, polarizan ya de partida los debates haciendo de éstos un diálogo de sordos.

Paradójicamente el título original de #Gorrones es Freeloading, que podría haberse traducido como “aprovechados”. Al menos en esta ocasión no se modifica tanto el espíritu del libro, como sucedió recientemente con dos trabajos que se citan en este ensayo: hablamos de Párasitos del periodista Robert Levine (Free ride en el original) o la aún más discutible traducción de You are not a gadget como Contra el rebaño digital, trabajo del tecnólogo Jaron Lanier.

Para comprender bien #Gorrones hay que situarlo en su contexto, ya que Chris Ruen no es un izquierdista ni nada que se le parezca. De hecho, sus caracterizaciones del marxismo o el anarquismo son pésimas, aunque es certero al exponer las consecuencias del “intercambio de archivos” o “piratería”: una inesperada pero extendida mercantilización de la música, al tener que depender los artistas cada vez más de los ingresos por ceder sus canciones a campañas publicitarias, sobre todo de coches y cerveza.

Gracias a su trabajo en el café Greenpoint de Brooklyn, meca hipster de los músicos alternativos en Nueva York, el autor conoció a diversos artistas, promotores y dueños de tiendas de discos y discográficas indies a los que entrevistó. Estas reveladoras conversaciones son la base sobre la que se edifica la narración de #Gorrones. En tiempos de los Panama Papers una de las cosas que más llama la atención es la queja constante sobre las filtraciones de los grabaciones mucho antes de que salgan al mercado, lo que parece ser casi la norma en EEUU.

La honestidad de los entrevistados se refleja en declaraciones como la de Kyp Malone (del grupo TV On The Radio), que resume a la perfección el espíritu del libro: “no creo que nadie se merezca una mamada eterna en la parte de atrás de la limusina más larga que exista. Pero ciertamente tampoco creo que currar “gratis como un cabrón” sea lo que merezco, ni yo ni nadie. Y la idea de que cuantos más artistas pasen hambre mejorará la música es ridícula. La idea de que la falta de recursos es el principal acicate para la calidad es un argumento muy oportuno para la explotación capitalista”.

#Gorrones alumbra todos y cada uno de los rincones oscuros donde los usuarios de internet se niegan a mirar pero donde es más necesario que nunca adentrarse.

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Descarga “Sin mono azul. Breve historia del sindicalismo en el trabajo cultural (1899-2015)”

Aquí podeis descargar la versión editada y maquetada de Sin mono azul. Breve historia del sindicalismo en el trabajo cultural (1899-2015).

Espero que disfruteis con la lectura. Cualquier comentario o crítica será más que bienvenido => marxcopyright@gmail.com

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Anarquismo y defensa de los derechos de autor – Tierra y libertad (marzo 1912)

La edición del diario El Sol del 11 de julio de 1924, revisada por la censura militar de la época, se hacía eco de un tiroteo en Portugal entre la policía y dos sindicalistas.

El_Sol_1924En ese tiroteo uno de los sindicalistas logró huir hiriendo a dos policías, mientras que el aserrador José Castela fue detenido dentro del local de la Sociedad do Resistencia y Sindicato de la Construcción Civil. El Sol informó cómo la policia encontró documentos que demostraban la implicación de Castela en “varios conflictos sociales” y que el sindicalista usaba a veces el pseudónimo de Lucrecio Océano.

En el periódico anarquista Tierra y Libertad del 13 de marzo de 1912 se publicó una defensa de la autoría y los derechos de autor escrita precisamente por Lucrecio Océano, que reproducimos íntegramente.

Seguimos así con la tarea de recuperar la olvidada relación entre anarquismo y defensa de los derechos de autor, que también realizaron otros libertarios como Lysander Spooner (El olvidado origen anarquista de la propiedad intelectual), Anselmo Lorenzo (Sin mono azul. Breve historia del sindicalismo en el trabajo cultural (1899-2015)) o Ezequiel Endériz (Un periodista libertario que estuvo a punto de cambiar la historia de la SGAE):

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En contestación a una crónica burguesa – ¡Es preciso!

El espíritu de propiedad no es anejo al de individualidad, porque la posesión del yo es una pertenencia natural y lógica de todo ser y, por consiguiente, todo humano que escribe y firma lo que de su intelecto ha salido no crea ni propiedad ni exclusivismo, sino asalaria su pluma o se hace mercenario intelectual. La firma no constituye un candado o cartel del veda. La firma es el yo impersonal que apadrina la idea expuesta propia o ajena; pero sustentada por el grafismo personal responsable moralmente de la originalidad y veracidad de los asertos o tesis lanzados ante la opinión de los demás semejantes nuestros, es decir, ante la opinión pública.

¿Sería posible en el campo científico y filosófico, si el grafismo no os dijera del tal cerebro partió tal idea, poder controvertir, criticar y aclarar los conceptos emitidos, ni poder comprender su alcance o utilidad? El progreso sería un mito y Reclús, Kropotkin, Marx, Bakunin, Lorenzo, Mella, Cafriero, etcétera, etc. unos burgueses de la intelectualidad a quienes no hubiese guiado otro móvil que el lucro positivista y no el sacrosanto principio del amor a la Humanidad y a la Libertad: pudiendo decir lo mismo, dentro del campo exclusivamente científico, de Benot, Cajal, de Buen, Alberto Grinaldi, Edisson, Victor Deltino, Cruée, Nordeuskiold, etc., verdaderos héroes modernos impulsadores de la corriente progresiva dentro de este ambiente metíticoy tartufo en que forzadamente tenemos que deselvorvernos.

Luego, queda sentado que ningún hombre altruista y consciente de su labor progresiva da personalidad, por medio de su firma, a lo que ha producido, por el espíritu ruín de exclusivista-propietarismo, no, sino como óbolo rendido al progreso humano, sea, el campo que sea el de sus aptitudes, porque la ciencia se ha formado de axiomas y de errores cuya denominación ha sido el nombre de los hombres que los generó; así decimos, por ejemplo: teoría de Newton, de Laplace, de Copérnico, de Linneo, de Cavier; errores de Tolomeo, de Mahomet, de Buffon etc.

Es preciso, es necesario que nadie niegue la paternidad a lo que produce, por bien de todos; porque la firma podrá constituir para algunos aprovechados un título de renta explotable: allá ellos y su conciencia poco escrupulosa; el hombre se debe al hombre no se llegue a la heroicidad ni al sacrificio… Es suficiente ser útil y no sacrificar a los demás explotándolos inicuamente o arrebatándoles el producto de sus fatigas y sudores.

Un artículo sin firma es lo mismo que una belleza ciega, sorda y muda. Además, lo anónimo es siempre sospechoso de cobardía; se pueden firmar artículos sin explotar a nadie, ni aspirar a necias populacherías, bagaje inútil para las verdaderas capacidades.

Lucrecio OCÉANO

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Los nuevos frentes del trabajo cultural (Sin mono azul – IV)

Sin mono azul. Breve historia del sindicalismo en el trabajo cultural (1899-2015) – I

Trabajo cultural durante la dictadura franquista (Sin mono azul – II)

Nuevos sindicatos y nuevas entidades de gestión (Sin mono azul – III)

Los nuevos frentes en el trabajo cultural se pueden agrupar en dos: por un lado los relacionados con los temas laborales y sindicales, por otro los conflictos en torno a la propiedad intelectual (piratería), con un acceso a internet masivo y unas entidades de gestión incapaces de adaptarse.

Comenzaremos con las nuevas reivindicaciones laborales de los trabajadores del sector cultural. Este mismo 2015 se firmó el acuerdo histórico por parte de ALMA, FAGA (sindicatos de guionistas), CCOO y UGT con la asociación FAPAE (las productoras de cine y televisión), que supone la incorporación del colectivo de guionistas al “II Convenio colectivo de la industria de producción audiovisual”. Se reconoce así la figura de los fijos discontinuos, que es absolutamente fundamental en el trabajo cultural de hoy en día.

Por su parte la Unión de Actores y Actrices está impulsando el Estatuto del Artista: “queremos abrir tres debates fundamentales: cómo defender los derechos de los trabajadores intermitentes con un nuevo modelo de Seguridad Social, cómo construir un modelo fiscal sostenible para los artistas y para el país, y cómo tener un modelo sindical fuerte, con quienes conocemos el sector, que haga de la cultura un ejemplo de empleos de calidad”.

La misma Unión de Actores y Actrices está elaborando y publicando en sus medios diversos materiales en torno a la propuesta del Estatuto del Artista, muy influenciados por el movimiento de los Intermitentes en Francia, que resume a la perfección la realidad del trabajo cultural actual. El abogado Ignacio Martín Pina lo resume así “la intermitencia del artista en su relación laboral tiene una consecuencia lógica que es su intermitencia salarial y por tanto la intermitencia en su renta anual. Los artistas, generalmente, reciben remuneraciones más elevadas por día de trabajo que otros sectores. Señalemos que esta situación debe ser puesta también en contexto puesto que, como refleja el estudio socioeconómico de la Fundación AISGE, la mayoría de intérpretes no alcanzan en cómputo anual la cuantía del Salario Mínimo Interprofesional”.

Finalmente, en el ámbito de la propiedad intelectual y los derechos de autor también están surgiendo nuevas propuestas. La nueva entidad de gestión vasca EKKI se consituyó como una federación de cinco asociaciones (Euskal Idazleen Elkartea –EIE-, Euskal Editoreen Elkartea –EEE-, Musikari Euskal Herriko musikariak, Bertsozale Elkartea e Irudika Euskal Irudigileen Elkarte Profesionala) que representa a los escritores, editores, músicos, bertsolaris y creadores visuales del País Vasco.

El modelo al que apuntan parece superar todas y cada una de las polémicas que arrastran la mayoría de entidades de gestión (sobre todo la SGAE) gracias a nuevos planteamientos como “la propiedad intelectual no puede ser un freno para la divulgación del conocimiento y la difusión de la cultura” o bien “la batalla de la cultura es la de su visibilidad, su disfrute, su ofrecimiento. Con licencia o compensación, el reto de las entidades de gestión es pasar de la mera recaudación a la recaudación por uso”.

Este último punto es importante: no es casualidad que las dos entidades de gestión surgidas de sindicatos, AISGE y DAMA (y que ahora son las que sostienen económicamente a esos sindicatos que las impulsaron) presenten puntos en común con EKKI y recauden únicamente por el uso efectivo de las obras que gestionan (es decir, tantos minutos usas, tanto pagas). Aunque parezca mentira, a pesar de las posibilidades tecnológicas que existen, en el resto de entidades de gestión no se paga identificando qué obras y durante cuánto tiempo han sido utilizadas, aplicando un extraño criterio de recaudación donde hay implicados sondeos, de resultados muy discutibles, y por el que las entidades de gestión han sido amonestadas en diversas ocasiones.

Conclusiones

El trabajo cultural en la actualidad está sometido a cuatro tensiones. La primera está generalizándose en todos los sectores, pero es un proceso que en el trabajo cultural viene de antiguo: es la precarización y flexibilización de las relaciones laborales. Este proceso se camufla como posibilidad de éxito individual y empredimiento, cosa que es especialmente grave debido a la falta de discursos y herramientas colectivas que hagan frente a las oleadas de políticas neoliberales, que buscan fragmentar aún más a la clase trabajadora. Aquí el trabajo cultural ya no es ninguna excepción, ya que lleva sufriendo estas condiciones desde su origen.

La segunda tensión es específica del trabajo cultural, y es el corporativismo. La Unión de Actores y Actrices y ALMA apoyaron explícitamente las dos últimas huelgas generales en España, pero en general las asociaciones profesionales y las entidades de gestión nunca se posicionan públicamente a favor de las demandas de los sindicatos de clase. Erradicar este corporativismo histórico y la coordinación con el resto de organizaciones de la clase trabajadora es una asignatura pendiente.

La tercera tensión es común a todas las organizaciones sindicales, y es cómo poder equilibrar el trabajo de estas organizaciones, dando los servicios necesarios a la afiliación, pero sin olvidar el activismo de la militancia y la calle, como recuerda Fernando Marín: “es necesario saber, conocer todo esto, pero también conocer los errores, a veces la apatía que nos embarga y otras los tropiezos internos, las deslealtades. Hay que supeditar el sindicato de servicios al sindicato reivindicativo, sin olvidar ni abandonar los servicios de la Unión [de Actores]. Porque es otro bagaje en nuestra historia: cursos, servicios jurídicos, premios, bolsa de trabajo, relaciones nacionales e internacionales, etc.”.

La cuarta tensión es también específica del sector, y está relacionada con todas las polémicas en torno a la propiedad intelectual. Las entidades de gestión, con SGAE a la cabeza, han implantado un modelo desde posiciones de monopolio que no puede ser más impopular. Pero no es el único camino, como han demostrado DAMA, AISGE y pronto en el País Vasco EKKI. Recomponer los consensos en torno a los derechos de autor, hoy más denostados que nunca, es una tarea central e irrenunciable dentro del trabajo cultural.

Artistas, autores, intérpretes, traductores, periodistas, técnicos… todas y cada una de las figuras del trabajo cultural están inmersas también en la lucha de clases actual. El relanzar organizaciones para la acción colectiva y la reivindicación de sus derechos, superando el corporativismo y las visiones más caducas de la propiedad intelectual, es el verdadero desafío que tiene esta parte de la clase trabajadora en el siglo XXI.

Queremos acabar este texto con una cita del anarcosindicalista asesinado por el Sindicato Libre Salvador Seguí, el Noi del Sucre, como manera de reivindicar un trabajo cultural que no sea sólo producido por rentistas y amateurs, ya que parece el escenario al que nos llevan las políticas actuales si no se les pone freno: “mi profesión es pintor. Soy ahora, además, periodista, y vivo de mis artículos y colaboraciones”.

Bibliografía.

Cabrera, E. (2015) Derechos laborales y producción artística. La vía sindical. http://www.elenacabrera.com/weblog/derechos-laborales-y-produccion-artistica-la-via-sindical/

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